PanoramaDelArte

Lic. Alfredo Marino

Glosario

Movimientos, estilos y técnicas


ABSTRACCION

Estilos que no representan objetos reconocibles del mundo que nos rodea, y emplean formas simplificadas y esquematizadas. El color y la línea son muy importantes para los artistas abstractos.


ACRÍLICO

Pintura sintética que tiene algunas de las propiedades del óleo y de la acuarela ampliamente en uso desde la década de 1940.


ALLA PRIMA (italiano: "a la primera")

Técnica que consiste en la aplicación de color directamente a la tela sin una pintura de base.


ANAMORFOSIS

Técnica por la cual se distorsiona una imagen en una pintura. La imagen aparece en su forma no distorsionada cuando se la mira desde cierto ángulo o reflejada por un espejo curvo, Fue usada ampliamente en el siglo XVI, v.g., por Leonardo da Vinci y Hans Holbein.


DECO:

Movimiento europeo y americano de las décadas de 1920 y 1930. Intentaba oponerse a la producción masiva volviendo a los valores de la artesanía preindustrial. Solía emplear materiales preciosos como marfil y ébano y formas elegantes.


ART INFORMEL (francés: "arte sin forma")

Obras producidas en la década de 1950 por artistas como Alberto Burri, Jean Dubuffet, Jean Fautrier, Hans Hartung y Jean-Paul Riopelle. Ellos deseaban crear un nuevo lenguaje, que noestuvierabasado ni en las formas figurativas ni en las geométricas. Sus técnicas principales eran la improvisación, la pincelada libre, gruesas capas de pintura y el uso de materiales nuevos como madera carbonizada, láminas de hierro y plástico.


ART NOUVEAU

Estilo internacional de decoración y arquitectura que floreció en las décadas de 1880, 189o y comienzos de 1900. Su denominación deriva del nombre de una galería parisina de decoración de interiores, la Maison de LÁrt Nouveau (1896). En Alemania el estilo fue denominado Jugendstill (por la revista Die Jugend = "juventud") y en Italia Liberty ( por la tienda londinense). Sus principales estilos decorativos son formas de plantas contorsionadas. Uno de los principales artistas gráficos de este estilo fue Aubrey Beardsley. En arquitectura, las principales figuras fueron C.R. Mackintosh en Gran Bretaña y Antoni Gaudí en España.


ARTE ACADEMICO

Estilos y temas empleados en un sistema académico (en particular la pintura histórica). El arte académico está asociado con la "gran manera", es decir, representaciones que destacan conceptos universales antes que particulares.


ARTE AMBIENTAL

Nombre introducido a comienzos de la década de 196o para describir un tipo de arte en el que las obras interactúan con su entorno. Los artistas ambientales a menudo colocan estructuras de madera, metal o vidrio en un espacio abierto, de tal manera que deriven significado del ambiente y que el ambiente, a su vez, se revele a través de ellas. El ambiente de la obra no es simplemente un contexto sino parte del proceso artístico. El espectador puede entrar o atravesar esos montajes y derivar varias impresiones de las obras y sus entornos. Alice Aycock, Nancy Holt, Ed Kíenholz, James Dine, Claes Oldemburg y Mary Miss son los principales artistas ambientales.


ARTE APLICADO

Expresión usada para describir formas de arte que sirven a un fin práctico (v.g., muebles, papel de pared, cristalería, etc.).


ARTE CINÉTICO

Forma de arte que se hizo particularmente popular en la década de 1960 e incorporaba movimiento real (v.g., las esculturas activadas por un motor de Jean Tinguely) 0 movimiento simulado (v.g., el uso de efectos de luz para crear la ilusión de actividad).


ARTE COMERCIAL

Arte relacionado con la publicidad y la industria.


ARTE CONCRETO

Nombre introducido en la década de 1930 para describir una clase de arte abstracto interesado en los elementos plásticos puros de una obra. Se supone que las obras se desarrollan con sus propias leyes autónomas, no según leyes naturales. Uno de sus principales exponentes es Max Bill.


ARTE DE PROCESO

Tendencia popular en las décadas de 1960 y 1970, en la que el proceso de producción de una obra sigue siendo discernible en el producto final. Se empleaban toda clase de materiales (incluidos vidrio, grasa y carbón), y se les daba primer plano a los procesos para reunir esos materiales. Entre los que practicaron esa forma de arte estaban Robert Morris y Richard Serra.


ARTE DECORATIVO

Arte dedicado al diseño y la ornamentación de objetos que pueden tener funciones prácticas antes que puramente artísticas (v.g., ropas, muebles, textiles, etc.).


ARTE DEL CARTEL

Forma de arte nacida en el siglo XIX, en gran medida Como consecuencia del comercialismo. Henri de Toulouse-Lautrec (l864-1901) produjo algunos de los carteles más famosos del siglo XIX. Este arte a menudo fue usado con fines políticos en todo el siglo XX, Y sigue hasta la actualidad.


ARTE "EARTH AND LAND" (inglés: "de la tierra")

Arte producido principalmente a fines de la década de 1960 y en la de 1970 "trabajando con" el ambiente natural de varias maneras: salir a hacer caminatas y documentarlas con mapas, fotografías y materiales tales como pizarra, barro y palitos (Vg., Richard Long); manipular el ambiente (por ejemplo, desplazando grandes cantidades de tierra y rocas) para producir masivas ,esculturas' con el paisaje (vg., Robert Smithson).


ARTE FIGURATIVO

Nombre empleado para describir estilos que ofrecen representaciones de objetos reconocibles. El término "representacional" se usa a veces en el mismo sentido.


ARTE FOLK

Obras tales como objetos de madera cerámica y telas producidos en una región o comunidad determinada, decorados con diseños y colores tradicionales. El arte folk suele tener vida autónoma: no se ve muy afectado por los movimientos de las denominadas "bellas artes".


ARTE POP

Movimiento que surgió en Gran Bretaña y Estados Unidos en la decada de 1950 y se inspiró en aspectos de la cultura popular y en la imaginería de la sociedad de consumo, Vg., publicidad, historietas, música pop, cine, etc. Usaba muchas técnicas: montaje, fotomontaie, collage. A menudo se incorporaban en las pinturas elementos tomados de revistas, carteles, envases de comida y de cigarrillos. Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Torn Wesselman, Richard Hamifton, R.O. Kital y Peter Blake están entre los principales exponentes del arte pop.


ARTE POVERA (italiano: -arte pobre")

Denominación creada en 1967 para describir a un grupo de artistas italianos (vg., Mario Ceroli, Mario Merz, Michelangelo Pistoletto) cuyo enfoque del arte era antiformal y anticomercial. Valoraban el compromiso del artista con las cualidades físicas de su medio, y trabajaban con una amplia variedad de materiales no utilizados: cemento, tierra, fieltro, cuerda, periódicos, etc.


"ARTS AND CRAFTS", MOVIMIENTO

El movimiento se desarrolló en la segunda mitad del siglo XIX como una reacción contra la industrialización y la producción masiva. Valoraba la artesanía preindustrial y contemplaba con nostalgia la Edad Media. Pero también estaba inspirado por ideas socialistas, en especial las nociones de que el trabajo no alienado es la expresión suprema de la creatividad humana y de que el arte es una forma de educación. La figura inaugural del movimiento es William Morris. Él ejemplificó esas ideas con sus propios diseños (para papel de pared, vitrales y textiles), y con la obra de la firma Morris, Marshall, Faulkner and Co., fundada en 1861.


BARBIZON, ESCUELA DE

Grupo de artistas franceses (incluido Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-Francois Millet) de comienzos a mediados del siglo XIX, que se reunían en el pueblo de Barbizon para pintar la naturaleza al aire libre, concentrándose en particular en los efectos de la luz.


BARROCO (italiano barocco: "extravagante" y portugués barroco: "perla deformada")

Estilo que floreció en Roma a comienzos de 1600 para sobrevivir en diversas formas hasta el siglo XVIII. La mayoría de las obras de arte de este estilo eran muy ornamentales, teatrales y exuberantes. Los edificios estaban muy decorados con relieve y estuco. La pintura era ilusionista y acentuaba la sensación de movimiento con líneas retorcidas, telas ondulantes, nubes plumosas y veloces. El estilo intentaba un fuerte impacto emocional en el espectador. Gianlorenzo Bernini, Michelangelo Merisi da Caravaggio, Guido Reni, Rembrandt van Rijn, Peter Paul Rubens y Diego Velázquez están entre los principales artistas barrocos. A veces se emplea "barroco" para describir algo que se considera "excesivo".


BAUHAUS

Escuela fundada por el arquitecto Walter Gropius en Weimar en 1919. Los artistas de esa escuela intentaban reunir las artes visuales, la escultura, la arquitectura y las artes decorativas tales como el tejido y la cerámica, concentrándose en principios de diseño. Veían a los artistas como artesanos, pero también les interesaba producir diseños adecuados para la producción masiva. Preferían las formas simples, geométricas y altamente refinadas.


BODY ART

Forma de arte creada a fines de la década de 1960 y en la de 1970 en la cual los artistas usan el cuerpo. El "body art" a menudo toma la forma de representaciones públicas que tratan de sorprender o aburrir al espectador, para expresar la violencia y la monotonía de la vida cotidiana. Las instancias del "body art incluyen la automutilación, el exhibicionismo obsceno, las conferencias prolongadas. El artista Yves Klein pintó el cuerpo desnudo de mujeres modelos, a las que hizo mover sobre una tela situada en el piso. Orlan utilizó la mutilación para hacer declaraciones feministas sobre el abuso del cuerpo femenino.


CAMDEN TOWN GROUP

Grupo inglés de pintores fundado en 1911 y que se reunía alrededor del estudio de Walter Sickert en Camden Town (norte de Londres). Buena parte de sus temas procedía de la vida de la clase trabajadora urbana. Ellos preferían las formas y los colores fuertes.


CAPRICCIO (italiano: "capricho")

Pintura basada en la fantasía. En la pintura de paisajes, se refiere a la mezcla de elementos reales y ficcionales. Canaletto usó ese enfoque en el siglo XVIII. En términos más generales, los "capriccios" son obras basadas en temas imaginativos, estrafalarios y a menudo perturbadores, como lo muestra Los caprichos de Francisco de Goya, de la década de 1790.


CARTOON (italiano carta: "papel")

1) Dibujo a toda escala sobre papel para una pintura, que luego se traslada a una tela o panel.
2) Dibujo humorístico, viñeta o caricatura.


CHIAROSCURO (italiano: "claroscuro")

Técnica para modificar formas por la gradación del color, de los valores más claros a los más oscuros. Se pueden lograr efectos muy notables con fuertes contrastes de luz y sombra, corno lo demuestran las Pinturas de Caravaggio y Rembrandt, en el período Barroco.


COBRA ( por las iniciales de las ciudades donde vivían los artistas: Copenhaque, Bruselas Y Amsterdam)

Asociación internacional de artistas (1948-51) que deseaban promover la idea de la pintura como una expresión libre del inconsciente. Ellos fomentaron el manejo espontáneo de los colores intensos, las líneas dinámicas y las imágenes derivadas de la fantasía, el folklore, la mitología y las pinturas infantiles. Karel Appel es un ejemplo de arte COBRA.


COLLAGE ( del francés colier: "pegar' )

Cortar y pegar sobre papel piezas de papel de periódico, cartón, papel de pared y tela. Esta técnica fue popular entre los artistas cubistas y surrealistas.


COMBINE ART

Pintura que incorpora objetos tridimensionales en un cuadro. Un ejemplo de esta técnica son las obras del artista norteamericano Robert Rauschenberg, producidas en la década de 1950.


CONCEPTUALISMO

Fenómeno internacional de la década de 1960. La parte más importante de la obra de arte no es la capacidad técnica del artista sino un concepto corporizado por la obra. La obra es importante en sí misma, no como ilustración de otra cosa. El conceptualismo desea que las imágenes sean como un lenguaje: obras de arte que puedan leerse. Emplea muchas formas y medios: textos escritos, fotografías, diagramas, mapas y films. Éstos se exhiben en galerías o en sitios particulares donde se supone que el entorno contribuye al significado de la obra. Entre los que practican el arte conceptual están Sol LeWitt, Douglas Huebler y Bruce Naumann.


CONSTRUCTIVISMO

Movimiento abstracto que se originó en Rusia en 1913. Naum Gabo, Ljubov Popova, Antoine Pevsner, El Lissitzky, Alexander Rodchenko y Viadimir Tatlin practicaban el arte constructivista. Creían en la importancia de la materia prima, pensaban que el arte debía reflejar los desarrollos de la tecnología moderna. Las esculturas se "construían" con materiales y técnicas industriales. Las pinturas a menudo empleaban formas abstractas que recordaban la tecnología industrial.


CUBISMO

Estilo inventado por Pablo Picasso y Georges Braque hacia 1907-8. Diversos aspectos del mismo objeto se muestran simultáneamente desde ángulos diferentes. Se rechazan las leyes de la perspectiva: en lugar de crear la ilusión de la tridimensionalidad, el cubismo pinta las cosas en términos del espacio bidimensional de la tela. El cubismo "analítico" o "hermético" (1 908-12) se basa en el análisis de objetos en sus partes componentes y emplea colores apagados que a menudo logran que resulte difícil reconocer los objetos. El cubismo "sintético", iniciado por Braque hacia 191 2, introduce trozos de papel en la pintura. A partir de entonces, tanto Picasso como Braque experimentaron con el collage y las técnicas de medios mixtos. Para 1912, el cubismo se había convertido en un estilo internacional. Entre los que lo practicaron se incluyen Fernand Léger, Albert Gleizes y Jean Metzinger.


DADAÍSMO

Movimiento internacional que floreció entre 1915 y 1922. Su centro principal era el Cabaret Voltaire en Zurich, donde el poeta Tristan Tzara y otros se reunían y realizaban alborotadas representaciones. El dadaísmo atraía no sólo a los artistas visuales sino también a escritores y músicos. Se oponía al elitismo del arte tradicional y promovía un "antiarte" que intentaba molestar a la burguesía. Deseaba expresar el lado irracional de la vida y jugar con ideas absurdas de maneras humorísticas y también sorprendentes. Los artistas de ese movimiento empleaban una variedad de medios y técnicas tales como el collage, el relieve en madera y el fotomontaje. Entre los artistas dada estaban Marcel Duchamp, Man Ray, Raoul Hausmann y Francis Picabia. El Dadaísmo inaugura un nuevo modo de pensar. Se lucha contra todo lo preestablecido, con una concepción nihilista. Ahora prima el azar aunque éste dé como resultado obras incomprensibles y faltas de un orden aparente. El objetivo era escandalizar a la burguesía. El Dadaísmo rechazó toda la herencia cultural por considerarla comprometida con un sistema social que ellos repudiaban íntegramente. Surgió así la idea de formar un movimiento "anti-artístico" que derrumbara el culto a los valores de la estética y, en general, a todos los valores que la sociedad respetaba. En el cine, quizá la película más emblemática del movimiento sea Entracte (1924), de René Clair. Produjeron este film: René Clair, su director, Francis Picabia, quien escribió el libreto e interpretó varios papeles en la película, el músico Erik Satie, el astro del ballet Jean Borlln, los artistas Marcel Duchamp y Man Ray, Marcel Achard, dramaturgo y escritor de Ilbretos, y Georges Auric. Hay uno que destaca de entre todos por no pertenecer al mismo movimiento: René Clair, el director, era surrealista. Había nacido con el nombre René-Lucien Chomette en 1898 y abandonado su vida acomodada para ser periodista. En 1923 realizó su primera película, París dormido, para en 1924 realizar Entreacto. Hizo en total 29 películas. Sus filmes cada vez recibieron un apoyo menos popular, aunque hoy su figura aparece en cualquier libro de vanguardias francesas del cine mudo. Desarrolló a lo largo de su obra su Ideología surrealista, por la que hoy se recuerdan sus obras maestras Bajo los techos de París y Libertad para nosotros, así como Entreacto. Han habido grandes rupturas con la inocencia a lo largo de la historia. Una de ellas, catastrófica a juzgar por sus alcances en el arte, fue la Primera Guerra Mundial, ocurrida entre 1914 y 1917. Hasta entonces en el arte había primado lo que los dadaístas llamaron "arte retiniano", es decir, una forma de creación donde la imitación es esencial en la expresión. Las primeras vanguardias del siglo XX, el fauvismo, los expresionismos de Alemania y Austria, el Cubismo y sus desprendimientos rusos como el Suprematismo, el Rayonismo, el Constructivismo, el Futurismo italiano y el holandés De Stijl, tomaban como modelo al Impresionismo del siglo XIX, ya sea para llevarlo al límite en la exploración del color y sus aplicaciones expresivas, o bien buscando oponérsele. De una u otra forma, todas estas vanguardias y el Impresionismo funcionaban como las dos caras de la misma moneda. El Dadaísmo es negación pura de todos estos movimientos, ya que para comenzar, no busca perpetuar la creación de un arte donde lo visual prime, sino un arte donde lo esencial es la idea. Es movimiento Iniciador del arte conceptual; no se rebela, como venía ocurriendo, contra el movimiento anterior, sino contra toda la historia del arte, proponiéndose, a la vez, como arte y anti-arte. Su nacimiento es directamente dependiente de la ya mencionada Primera Guerra: resultaba inconcebible que en Europa, que aparentemente era la cuna de las civilizaciones, ocurriera algo tan incomprensible como una Guerra Mundial. Este fin de la inocencia obtuvo numerosas respuestas de muchos lugares simultáneamente, entre 1915 y i916: de Zürich, de los exiliados en Nueva York, de Colonia, y posteriormente de Berlín y París. Éstas eran respuestas de rechazo, muy simlares, pero donde sus autores se desconocían: eran artistas de lo que se conoce hoy como los fenómenos de Dadá Zürich, Dadá New York, Dadá Colonia, Dadá Berlín y Dadá París. En Nueva York, el Dadaísmo adoptó trayectorias diversas. Aigunos de sus más importantes representantes son: Francis Picabia (Amorous Parade, izquierda), y sus máquinas en que se burla de la ciencia; Man Ray, cuyos fotomontajes se divulgaron en la revìsta Camera Work, e inventa una nueva técnica fotográfica, el rayograma; y Marcel Duchamp (Urinario, ready-made), cuya principal aportación es el ready-made. Este Consiste en entresacar un objeto de su contexto para situarlo en otro distinto. Marcel Duchamp realizó Anemic cinema, título cuasi palíndroma, donde explora de manera cíclica las posibilidades narrativas y vísuales de los rotorelieves. Este film es uno de los más enigmáticos del cine experimental de los años 20. Pasada la histeria de la guerra se va derivando hacia otros movimientos. La película Entreacto funcionaría como un acto más, aunque no fue pensada en Zürich, sino en París, en el año 1924. El mecenas Rolf de Maré, dlrector en París de los Ballets suecos, encomendó la música del ballet Reláche a Erik Satie y la coreografía a Picabia y a Jean Borlin, así como los decorados; entre los actos se proyectó una única vez la película, encargada en su dirección a Clair y en su libreto también a Picabia. El humor nunca quedó fuera del Dadaísmo, como bien se puede ver en el film: los carteles del Théátre des Champs-Elysées, donde se presentaron, enseñaban Reláche, (Descanso en francés), título que podía, o bien alejar a los desprevenidos, o bien acercarlos a participar, con un entreacto ocupado por una película que, naturalmente, se Ilamó así: Entreacto. Y como hablamos del título del Ballet, mencionaremos que hay una particularidad en el nombre de la película: el título de Entreacto en francés debería ser, justamente, Entracte. Sin embargo, el título original es Entr'acte, donde un apóstrofe separa las dos partes de la palabra; tal como un intervalo divide dos actos. Por último, acerca de nombres y títulos, no estará de más aclarar el significado del nombre del grupo, Dadá. Hasta hoy los historiadores de arte, nï tampoco los mismos dadaístas de segunda generación, han sabido qué significa dadá. La primera vez que aparece escrita es cuando Hugo Ball, uno de los organizadores más importantes de las veladas que luego se denominarían dadaistas en el Cabaret Voltaire. Hugo Ball y su mujer Emmy Hennings inauguran en 1916 el Cabaret Voltaire en Zürich, donde se Ilevaban a cabo actuaciones con piano y declamaciones. Pronto se les unieron los hermanos Janco y el poeta rumano Tristán Tzará, el cual pretendía unas actuaciones que supusïeran una afrenta para el público que las presenciara. Se leían simultáneamente poemas, haciendo ruidos con raras percusiones, así se provocaba al público. Ciertas fuentes dicen que la palabra surgió de abrir el diccionario al azar, donde la palabra "Dadá" resultó agradable porque, significando en alemán "caballito de juguete", o bien los balbuceos de un bebé, disparaba asociaciones primordiales que convenían a un arte que buscaba deshacerse de todo lo anterior y empezar a pensar desde el princípio. Francis Picabia, nacido en París, rico hijo de un españoi-cubano y una francesa, se unió en 1916 a los primeros dadaístas, los zurichenses. De allí partió junto con Duchamp hacia Nueva York, para unirse al grupo de esa ciudad, que giraba en torno del fotógrafo Alfred Stieglitz. A ellos se unió el fotógrafo Man Ray, que viajaría con ellos cuando al finalizar la Guerra, se reunieron en París. Entre 1920 y 1922, Picabia fue el alma del dadaísmo parisino, hasta su disgregación ese año. Entreacto: ~Dadaísta o surreallsta? Numerosas fuentes definen la película como dirigida por René Clair, director surrealista. Otro hecho que la sítuaría en el ámbito surrealista es et año en que fue realizada, 1924. André Bretón, quien eventualmente sería recordado como el padre del Surrealismo, había contribuido al movimiento dadaísta en numerosas oportunidades, y para 1918 Tzara escribía para su periódico, Littérature. Sin embargo, dos años más tarde, Bretón se alejaba, frustrado justamente por la esencia anarquista y rebelde del Dadafsmo, para en 1922 fundar un grupo de escritores que con el tiempo sería el Surrealismo, el cual incluiría a gran parte de los dadaístas. Según los textos, para ese mismo año el Dadaísmo se había desvanecido, en su mayor parte fagocitado por el Surrealismo. La diferencia entre ambos movimientos no es tanto de índole artística como de actitudes generales, políticas, hacia la vida. El dadaísmo es negación pura, esto es, nihilismo puro. Nada era solución de nada. Por ende, no es difícil desprender de este razonamiento que el mismo dadaísmo no era la solución. El dadaísmo, según los propios dadaístas, era tan vacío de significados como su propio nombre, como bien se ve en sus propias directivas: °Todo es Dadá", "Desconfiad de Dadá". El Surrealismo, por otra parte, se sustentaba por sí mismo y su propia afirmación es claramente visible en la cantidad y calidad de los manifiestos que produjo; escribir manifiestos es afirmarse como movimiento, como forma de pensar y de situarse ante la vida. Crear un manifiesto es decir "las cosas serán hechas de este modo y no de este otro". Dadaísmo y Surrealismo creaban de formas similares, sirviéndose del azar, del automatismo psíquico, de la idea como forma de arte, pero pensaban en forma muy diferente. Se podría entender de esto que una película hecha en 1924, dos años después del fin del Dadaísmo, no puede ser otra cosa que hija del movimiento que, de alguna forma lo continuó el Surrealismo.


DE STIJL

Movimiento fundado por Theo van Doesburg y Piet Mondrian en Holanda en 1917. Las obras de ellos empleaban simples formas y elementos geométricos, es decir, líneas rectas y colores primarios, en el intento de expresar armonía y claridad. Esos artistas creían que el arte debía convertirse en una disciplina objetiva, capaz de reflejar el orden del universo.


DECADENCIA

Término utilizado para describir una declinación moral y artística. Más específicamente, denota un movimiento visual y literario que se desarrolló a fines del siglo XIX en Inglaterra y Francia. Era antiburgués, creía en el rol aislado del artista y prefería los temas asociados con la obsesión sexual, la muerte y la perversión. Aubrey Beardsley y pintores simbolistas como Odilon Redon en el ámbito visual, y Charles Baudelaire, Huysmans y Oscar Wilde en el literario, están entre las figuras principales. La decadencia también se asocia con la idea del fin de siécle (francés: "fin de siglo"), expresión empleada para describir las ansiedades de una cultura que llegaba al fin de una etapa y enfrentaba otra nueva.


DÉCOUPAGE

Técnica basada en recortar figuras, pegarlas a una superficie y luego laquearlas.


DIVISIONISMO

Técnica basada en la aplicación de colores puros en puntos o trazos. El artista no mezcla él mismo los pigmentos en la paleta antes de aplicarlos a la tela. La mezcla se produce a la vista del espectador: es un efecto óptico. Paul Signac y Georges Seurat a menudo son asociados con ese estilo. Cuando los artistas usan puntos, su estilo se denomina "puntillismo".


ENSAMBLAJE

Uso de imágenes y objetos de la vida cotidiana para experimentar con una amplia variedad de materiales y técnicas. Las cosas comunes se convierten en arreglos formales de líneas, colores y formas tridimensionales. El artista dada Marcel Duchamp fue uno de los primeros en convertir objetos de producción masiva en obras de arte. Él llamaba a esos objetos "readymades' (hechos).


ESCORZO

Técnica mediante la cual se aplica la perspectiva a una figura u objeto para crear la ilusión de profundidad.


EXPRESIONISMO

Movimiento que se desarrolló principalmente en Alemania entre 1905 y 1930. A sus artistas les interesaba menos expresar el mundo exterior que sus sentimientos más intimos y poderosos. El color violento, la manera de aplicar la pintura, la distorsión y la exageración eran los vehículos principales usados por esos artistas para pintar sus emociones personales. Muchas de sus obras representaban la alienación y la violencia de la moderna vida urbana, los horrores de la guerra y la corrupción personal y política. Vincent Van Gogh (en particular en sus obras posteriores) fue la principal fuente de inspiración para el expresionismo. Los artistas más importantes de ese movimiento fueron Max Beckman, Erich Heckel, Alexei von Jawlensky, Ernst Ludwig Kirchner, Oskar Kokoschka, Franz Marc, Edvard Munch, Emil Nolde, Max Hermann Pechstein, Georges Rouault y Egon Schiele.


EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Movimiento de la pintura norteamericana creado en la década de 1940. Hay dos estilos principales en el movimiento: pintura de "campo de color", adoptada por Mark Rothko, Barnett Newman y Clyfford Still, que consiste en la aplicación de bloques de color unificados a grandes telas; y la pintura "gestual", adoptada por Jackson Pollock, Willenn de Kooning y Hans Hofmann, basada en técnicas tales como hacer gotear o arrojar pintura directamente sobre la tela.


FAUVISMO

Fauves ("bestias salvajes') fue el término acuñado por el crítico Louis Vauxeelles para describir las pinturas de Henri Matisse, André Derain, Maurice de Vlaminck y otros, exhibidas en París en 1 905. Esos artistas usaban colores puros y muy contrastantes y manejaban el pincel con energía para presentar poderosos sentimientos e intensas emociones.El fauvismo suele asociarse con el expresionismo pero es menos severo y transmite una vision del mundo mas alegre y entusiasta.


FOTORREALISMO ( también denominado hiperrealismo o superrealismo )

Estilo que floreció en la década de 1970, basado en la producción de pinturas que parecen fotos. Las principales figuras de este movimiento son Chuck Close, Malcolm Morley y Richard Estes.


FROTTAGE ( francés: "frotar" )

Técnica de dibujo basada en aplicar un papel sobre una superficie irregular (vg. madera veteada o arpillera) y frotarla con lápices o crayones, para trasladar al papel los detalles de la superficie subyacente. Max Ernst (1891-1976) fue uno de los principales usuarios de esta técnica.


FUNCIONALISMO

Estilos en que la forma de un objeto es inseparable de su función. Un objeto es bello si sirve al fin para el cual fue diseñado y hecho. Esta idea fue promovida con entusiasmo a comienzos del siglo XX por el arquitecto modernista norteamericano Louis Sullivan, que afirmo que "la forma sigue a la función".


FUTURISMO

Movimiento de vanguardia fundado en Italia en 1909. Sus artistas, en especial Giacomo Balla, Gino Severini, Carlo Carrá y Umberto Boccioni, estaban fascinados con la tecnología moderna. Trataban de dar una sensación de dinamismo con líneas enérgicas, y captar la sensación de velocidad representando varias imágenes de la misma figura en diversas posiciones en una sola tela.


GÓTICO

Término empleado para describir un estilo que floreció en Europa entre 1150 y 1500 aproximadamente. Las pinturas de ese estilo en general no intentaban crear la ilusión de espacio tridimensional: Se preferían líneas fluidas a la representacion del espacio solido. Las figuras humanas se alargaban de manera característica para dar una impresión de elegancia, espiritualidad y refinamiento . En el arte gótico abundaba el diseño intrincado y representaciones muy detalladas de temas naturales. La iluminación de manuscritos fue una de las artes mas desarrolladas del periodo. Los artistas góticos incluyen a Simone Martini, Cimabue, Gentile da Fabriano, Lorenzetti, Lorenzo Monaco y Duccio.


GRAFFITI

Coloridos cuadros en gran escala y pintados sobre paredes, y a veces en sitios móviles (ómnibus, trenes), que se hicieron populares en Estados Unidos y luego en Europa en la década de 1980. A menudo transmiten un mensaje político, por sus temas y por subvertir la ideas convencionales del espacio exhibiendo el arte en superficies exteriores y no en galerias.


GRATTAGE

Extensión de los principios del "frottage" del dibujo a la pintura al transmite una visión óleo. Esta técnica fue inventada por Max Ernst.


GROTESCO

Decoración imaginativa que emplea mounstruos fabulosos y figuras híbridas que combinan elementos humanos, animales y vegetales. El término deriva del italiano grotta ("gruta") porque esos elementos decorativos fueron allados por primera vez en ruinas romanas subterráneas. Se usa ahora. "grotesco" para designar toda clase de distorsiones y exageraciones, en especial del cuerpo humano.


HAPPENING

Este término fue acuñado en 1959 por Allan Kaprow para describir un evento teatral espontáneo, que puede emplear las artes visuales, musica o actuación. En síntesis, un happening es un modo de realizar arte haciendo que suceda algo- Una vez que ha sucedido, la obra de arte ha terminado. Joseph Beuys, por ejemplo, hizo una obra de arte hablando con una liebre muerta (la cabez de él cubierta con miel y con láminas de oro) mientras el público lo observaba a través de una ventana (1985). En otra ocasión, se pasó cinco días en un lugar vallado dento de una galería de arte en la compañía de un coyote.


ICONOLOGIA ( griego icon: "imagen")

Estudio del significado de las obras de arte en relación con sus contextos culturales, sociales e históricos.


ILUMINACIÓN ( latín iluminar: "adornar")

Colorido adorno de manuscritos con miniaturas, lujosos bordes y mayúsculas, difundido en la Edad Media y el Renacimiento.


IMPRESIONISMO

Movimiento que se originó en Francia a fines de la década de 1860. Su nombre deriva de un cuadro de Claude Monet titulado impresión: salida del sol (1 872), donde el artista pintaba su percepción de la luza esencialmente por el color. Todos los artistas impresionistas estaban fascinados con la relación entre el coor y la luz. Deseaban captar la impresión visual causada por una escena y no les interesaba dar un mensaje factual de ella. El impresionismo esta asociado con un estilo espontáneo de pintura donde la pincelada a menudo es visible, y emplea una paleta luminosa que tiende a usar pigmentos puros. El impresionismo molestó mucho al aseverar que el artista pinta lo que percibe y no el mundo sólido. También fue poco convencional en su elección de temas, en general tomados de la naturaleza o de escenas urbanas, y no de la historia, la mitología o la religión. Algunos de los principales pintores impresionistas fueron Edouard Manet, Claude Monet, Edgar Degas, Berthe Modsot, Auguste Renoir, Gustave Caillebotte, Camille Pissarro y Alfred Sisley.


INSTALACIÓN

Obra tridimensional que usa una amplia variedad de materiales y medios y a menudo incluye seres humanos y otras criaturas vivas.


JUNK ART

Arte desarrollado en las décadas de 1950 y 1960, que usaba restos industriales como materia prima, por ejemplo restos de metal y piezas de máquinas. El escultor Cesar, por ejemplo, empleaba carrocerías de coches aplastadas por una prensa hidráulica como sus bloques constructivos.


LUMINISMO

Estilo de pintura de paisajes del siglo XIX desarrollado en los Estados Unidos, caracterizado por una luminosidad extrema. La mayoría de las pinturas de este estilo son pequeñas y deliberadamente reducen el tamaño de los objetos para acentuar los efectos de la luz que baña la escena. Entre los pintores del luminismo se incluyen Fitz Hugh Lane, Martin Johnson Heade y John Frederick Kensett.

 

MACCHIAIOLI: (italiano macchia: "mancha" o "borrón").  Grupo de pintores italianos con base en Florencia, activos entre 1855 y 1865.  Rechazaban el estilo académico dominante y pintaban empleando puntos de color y, pinceladas cortas.  Las figuras principales fueron Telemaco Signorini y Giovanni Fattori.

MANIERISMO:   Estilo que predominó en Italia entre 1530 y 1600.  El término maniera significaba "gracia" o "estilo" y se lo asociaba con la elegancia de las pinturas de Miguel Ángel y Rafael.  Pero con el paso del tiempo, los artistas desarrollaron estilos que en realidad iban en contra del orden y el equilibrio de esas pinturas. Experimentaron con composiciones elaboradas, posturas complejas y expresiones exageradas para transmitir un sentido de movimiento.  Al manierismo se lo llegó a asociar con el virtuosismo excesivo y el capricho.  Entre los pintores maneristas están Agnolo Bronzino, Rosso Fiorentino, Giulio Romano, El Greco, Giambologna, Jacopo Pontormo, Jacopo Tintoretto y Parmigianino.

MEDIOS MIXTOS: Obras de arte producidas con el uso de medios diferentes, v.g. pinturas, fotos, objetos hallados, videos, esculturas, etc.

MINIMALISMO: Un movimiento que adquirió prominencia en la década de 1960, en gran medida como un reacción contra las técnicas gestuales del Expresionismo abstracto.  Usaba diseños geométricos elementales, a menudo en la forma de objetos de producción industrial, vg. ladrillos, cubos de acero, tubos fluorescentes. Las obras minimmistas son completamente abstractas e impersonales.  Carl Andre, Donald Judd y Frank Stella son ejemplos de artistas minimalistas.

MONTAJE: Imagen compuesta hecha con la superposición o mezcla de varios cuadros.

MOSAICO: Cuadro hecho colocando fragmentos de vidrio, mármol o piedras semi preciosas (“tesserae") en una base de yeso o cemento.

MUSÉE IMAGINAIRE: (francés: -Museo imaginario").  Expresión inventada por André Mairaux para describir la diseminación de obras de arte mediante la reproducción, vg. en ilustraciones, postales, propagandas, etc.

MOVIMIENTO ESTÉTICO: Movimiento de las décadas de 1880 y 1890 dedicado al ideal del arte "por el arte mismo", es decir, el arte es autónomo y sólo se lo debe juzgar con pautas estéticas.

NABIS: Grupo de pintores franceses de la década de 1880 que desarrollaron un método de pintura en color puro mate.  Creían que un cuadro era un área cubierta con colores más que la representación de algo del mundo.  Entre los artistas nabis estaban Pierre Bonnard, Edouard Vuillard y Maurice Denis.

NATURALISMO: Enfoque artístico basado en la observación
minuciosa y la imitación detallada de aspectos del mundo natural.

NEOCLASICISMO: Movimiento de la segunda mitad del siglo XVIII que intentó revivir los valores del antiguo arte griego y romano, en especial sus líneas elegantes y simétricas.  Los artistas neoclásicos a menudo tomaban temas y motivos del arte- clásico. Es una reacción contra el Rococó, caracterizándose por la sencillez de la forma, el equilibrio, la proporción y la racionalidad. Entre los pintores que se han destacado en el movimiento podemos encontrar a: Antonio Canova, Jacques Louis David, Jean-Auguste Dominique Ingres y Bertel Thorwaldsen.

NEOEXPRESIONISMO:     Renovación de técnicas y estilos expresionistas en la década de 1970 en Estados Unidos y Europa (en especial Alemania) . Como el expresionisrno, el neoexpresionismo se interesaba en especial en transmitir sentimientos y emociones personales con gran vivacidad.

NEOPLASTICISMO: Término acuñado por Piet Mondrian para describir una forma de abstracción rígidamente geométrico, basada en líneas verticales y horizontales y en una variedad limitada de colores: los primarios, blanco, negro y gris.

NEORROMANTICISMO: Forma de la pintura del siglo XX que une características del romanticismo y el surrealismo.  John Piper y Paul Nash, por ejemplo, combinaban un marcado interés por la naturaleza y elementos fantásticos u oníricos en sus paisajes visionarios.

OBJET TROUVÉ: (francés: "objeto hallado").  Un objeto de producción masiva o natural convertido en obra de arte al ser simplemente elegido por un artista y exhibido en público.  Marcel Duchamp hizo tal obra en 1917 al tomar un orinal de porcelana y firmarlo 'R.  Mutt".  Paul Nash (1889-1946) utilizó objetos naturales como piedras y ramas rotas de árboles.  La creación no es importante.  Lo que importa es la selección de un objeto y su reubicación.

OP ART.- (inglés: "Arte óptico").  Movimiento de la década de 1960 basado en la ilusión óptica.  Si bien las imágenes son estáticas, pueden simular la idea del movimiento cuando color y línea se usan de tal manera que parecen latir, fluir o vibrar.  En las obras de Bridget Riley y Pat-Ket Vasarely, las formas y los colores parecen flotar y desplazarse.

ORFISMO: Un vástago del cubismo que se desarrolló en París
entre 1911 y 1914.  Los pintores órficos deseaban que el arte se
desentendiera de la representación  de formas naturales. 
Crearon un lenguaje no figurativo donde las cualidades
expresivas del color tenían un rol crucial.  Robert Delaunay
experimentó con ritmos del color producidos por el contraste
simultáneo de colores en un estilo deminado "simultaneidad".

PAPIER MACHÉ (francés: "papel molido').  Superficie para pintar que se crea embebiendo papel y cocinándole luego.

PAPIERS COLLÉS: (francés: "papel pegado").  Técnica que incorpora diversas clases de papel en un cuadro.

PASTICHE:       Obra que emplea el estilo de otro artista.  El pastiche no es la Copia del trabajo de otro, sino una reelaboración de diversas técnicas y temas en una nueva composición.

PERFORMANCE ART.  Formas de arte que se caracterizan por la representación en vivo, la presencia de un público y la participación de artistas que trabajan en diversos medios (vg., artes visuales, poesía, danza, música, etc.).

PINTORESCO:  Término del siglo XVIII empleado para designar cierto tipo de paisaje, vg., terrenos ondulantes animados por agua y bosques.  Este tipo de paisaje tenía un elemento nostálgico: celebraba la belleza del mundo preindustrial.

PINTURA METAFISICA: Movimiento fundado en Italia en 1917.  Sus características más típicas eran una atmósfera onírica, producida por una iluminación poco natural y una perspectiva lógica, e imágenes misteriosas, tales como muñecos, fragmentos o estatuas y esqueletos.  Sus principales representantes fueron Giorgio De Chirico, Carlo Carrá y Paul Delvaux.

PINTURA NAIVE: Arte caracterizado por un enfoque deliberadamente simple.  Emplea colores brillantes no naturalistas y no usa las reglas de la perspectiva.  Las obras de Henri Rousseau (1844-1910) son ejemplos de arte naive.

PLASTICIDAD: Característica de cuadros en los cuales los objetos bidimensionales dan una sensación de solidez.

POSTIMPRESIONISMO:     Término inventado por Roger Fry en 1910 para describir la obra de los pintores de la generación que sucedió al impresionismo.  Esos pintores creían que el impresionismo había abierto nuevos enfoques del arte, pero buscaban soluciones más ”formales” para la pintura.  Diferentes artistas experimentaron con una amplia variedad de estilos y técnicas.  Georges Seurat se concentró en las propiedades formales del color creando la técnica conocida como divisionismo.  Paul Gauguin desarrolló un estilo que llegó a conocerse como sintetismo, basado en el uso de áreas de color mate rodeadas por líneas negras.  Paul Cézanne persiguió la idea de la forma creando una técnica en la que cada plano de color se colocaba cuidadosamente dentro de la composición general, y se elegían los colores para que transmitieran un sentido de su posición en el cuadro.  Vincent Van Gogh aplicaba pinceladas decididas de colores primados.  Su libre manejo del pincel y su uso audaz del color influyeron mucho en el desarrollo del fauvismo.

PRERRAFAELISTAS: La Hermandad Prerrafaelista, fundada en 1848, era un grupo de pintores ingleses que deseaban volver a lo que veían como la pureza de la pintura italiana previa a Rafael.  Claridad de color y línea eran sus prioridades.  Tenían una preferencia por los temas literarios, históricos y religiosos.  Tomaban de la tradición clásica y de la medieval.  En lo estilística, su trabajo se caracterizaba por la luminosidad, la atención al detalle y una predilección por los diseños, texturas y telas decorativos.  La primera fase del arte prerrafaelista se centró en torno de Dante Gabriel Rossetti, John Everett Millais y William Holman Hunt.  En la segunda fase, las figuras claves fueron Rossetti, Edward Burne-Jones y William Morris.  Pintores posteriores como John William Waterhouse fueron influidos profundamente por las obras de los prerrafaelistas, así como los pintores neoclásicos (v.g., Frederic Lord Leighton y Lawrence Alma-Tadema), que siguieron pintando escenas derivadas de la poesía y la mitología a la vez que tomaban temas e ideas de la Antigüedad.

PURISMO: Movimiento del siglo XX dedicado a un estilo impersonal y antidecorativo inspirado por la producción mecánica.  Sus principales figuras fueron el arquitecto Le Corbusier y el pintor Arnédée Ozenfant.

REALISMO SOCIAL: Pinturas de la vida y el ambiente de la clase trabajadora y media baja en el siglo XX.  Se las asocia con un grupo de pintores norteamericanos conocido como The Eight, activo después de 1900, y un grupo de pintores ingleses conocidos como la escuela Kitchen Sink, activa en la década
de 1950.

REALISMO SOCIALISTA: Estilo oficial promovido en la Unión Soviética después de 1934.  Intentaba glorificar el trabajo (tanto industrial como agrícola) e idealizar al trabajador como héroe, mediante el empleo de técnicas naturalistas y realistas.

RENACIMIENTO:       Renovación del arte y la literatura clásicos que se inició en Italia en el siglo XIV para difundirse luego por todo Europa y alcanzar su pico a comienzos del siglo XVI.  La idea de “renacimiento” fue central para el arte de este período.  Inspirados por el redescubrimiento de las grandes obras de la Antigüedad, los artistas del Renacimiento se dedicaron a la expresión de los poderes humanos más que de los divinos.  La filosofía predominante del período se denominaba 'humanismo".  Esa renovada confianza en la humanidad (por comparación con la Edad Media) afectó mucho la posición del artista, que pasó a ser considerado un creador individual e inspirado y no un hábil artesano que trabajaba en equipo.  El artista ideal era una figura ecléctica, capaz de dominar muchas artes y disciplinas.  El desarrollo de la perspectiva y el estudio sistemático de la anatomía permitió a los artistas del Renacimiento dotar tanto al espacio como al cuerpo humano de una sensación de presencia y solidez sin precedentes.  Se suele asociar el Renacimiento con cualidades positivas: optimismo, entusiasmo, curiosidad intelectual en la humanidad y ardiente deseo de entender y poseer el universo en su totalidad.  Pero no se debe olvidar que esa fue también una época de incertidumbre y ansiedad, donde se cuestionaban drásticamente las verdades tradicionales en todos los campos: las revoluciones políticas, religiosas y científicas, así como la expansión geográfica derivada del comercio internacional y la colonización, obligaron a la gente a reconsiderar su sentido del espacio y su lugar en el mundo.  Los principales artistas asociados con el temprano Renacimiento son Giotto y Masaccio. Las figuras claves del alto Renacimiento son Rafael, Leonardo y Miguel Ángel.  Los artistas nórdicos del Renacimiento incluyen a Alberto Durero, Matthias Grünewald, Mabuse y Rogier Van der Weyden.

ROCOCÓ: (francés rocaille: "rocalla usada para decorar grutas y fuentes").  Movimiento del siglo XVIII que se originó en Francia y que luego se difundió por todo Europa.  Se caracterizaba por un estilo retozón, elegante y muy decorativo y por una predilección por los colores pastel.  El rococó era muy Popular en el ámbito de la decoración de interiores.  Sus principales artistas en la pintura fueron Jean-Honoré Fragonard, Francois Boucher, Antoine Watteau, Jacopo Amigoni y Giovanni Battista Tiepolo.

ROMANICO:      Estilo que surgió a mediados del siglo X y perduró hasta el siglo XII, cuando fue reemplazado por el gótico.  Adoptó muchas formas en diferentes partes de Europa, y afectó a la arquitectura, la escultura, la pintura y también a la joyería, la metalistería y la iluminación de manuscritos.  En la pintura, algunas de las características recurrentes eran los cuerpos alargados, las figuras distorsionadas, la vegetación estilizado, los diseños geométricos y un fuerte énfasis en el movimiento rítmico.

ROMANTICISMO: Movimiento que se desarrolló en Europa y Estados Unidos a fines del siglo XVIII y comienzos del XIX.  Adoptó muchas formas diferentes, pero en general se caracterizó por el énfasis en la imaginación (como opuesta a la razón), las emociones individuales y la sensibilidad, la pintura de sentimientos intensos, un profundo apego a la naturaleza y un interés por el pasado (en especial en sus manifestaciones más misteriosas y exóticas).  Entre los artistas románticos figuran William Blake, J.M.W. Turner, John Constable, Francisco de Goya, Théodore Géricault y Caspar David Friedrich.

SEZESSION: (o Secesión).  Término para varios movimientos alemanes y austríacos de la década de 1890 que deseaban romper con las convenciones restrictivas y conservadoras del arte académico.  Uno de los más famosos de estos movimientos es la Sezession de Viena, iniciada por Gustav Klimt en 1897.

SFUMATO: (italiano: "esfumado").  Técnica que mezcla sutilmente los colores para producir un efecto brumoso.  Se la puede emplear para sugerir una sensación de distancia en las áreas de un paisaje más alejadas del primer plano del cuadro, Utilizada por Leonardo Da Vinci..

SIMBOLISMO:   Movimiento francés de fines del siglo XIX tipificado por las obras de Odilon Redon y Gustave Moreau, cuyas pinturas podían transmitir aspectos de la psiquis antes que las superficies visibles de la realidad.  El sexo, la muerte, las escenas exóticas, las criaturas monstruosas y misteriosas, los motivos mitológicos, la decoración floral y lo mágico eran rasgos recurrentes del arte simbolista.  El ensueño a menudo era inseparable de la atmósfera pesadillesca, como sugiriendo que la mente alberga simultáneamente a la serenidad y el temor.

SOFT ART-. (inglés: "arte blando").  Expresión introducida en la década de 1970 para describir obras escultóricas hechas con materiales blandos tales como goma y cuero.  Uno de sus principales cultores fue Claes Oldenburg.

SUBLIME: Sentimiento estético que contiene elementos de perplejidad, peligro o terror.  El filósofo Edmund Burke (1729-97) asociaba lo sublime con la naturaleza en sus aspectos más aterradores e inquietantes.  Cuando lo bello está bien contenido dentro de límites formales, las escenas sublimes transmiten una sensación de vastedad: inabarcable grandeza, energía o movimiento.  Lo sublime está estrechamente asociado con el arte romántico.

SUPREMATISMO: Estilo abstracto fundado por el artista ruso Kasimir Malevich en 191 3. En una obra suprematista no hay rastro de tema.  La imagen se apoya exclusivamente en la interacción de formas geométricas y colores puros.

SURREALISMO: Movimiento lanzado en 1924 por el Manifiesto surrealista de André Breton, y derivado en parte del legado del dada.  Hay dos tipos principales de cuadros surrealistas: pinturas que muestran imágenes oníricas con el uso de técnicas convencionales (Salvador Dalí y Giorgio de Chirico empleaban principalmente este enfoque) y otras que experimentan con técnicas innovadoras (como el “frottage" de Max Emst).  En todo el arte surrealista, los mundos de lo inconsciente y lo irracional tienen un rol clave.  La sexualidad, el erotismo y el cuerpo humano se re-
presentan en una variedad de maneras poco convencionales para desplazar las nociones convencionales de moralidad y la tiranía de la razón.  El primer tipo de cuadros desafía la tradicional separación entre realidad e irrealidad presentando escenas que son muy ilógicas y están pobladas por figuras misteriosas, pero realizadas con precisión fotográfica.  El segundo tipo se concentra en maneras específicamente técnicas que permiten que el inconsciente se exprese.  Además de los artistas ya mencionados, otros surrealistas son René Magritte, Joan Miró, Yves Tanguy, Frida Kahlo y R.S.E. Matta.
El surrealismo nació ofcialmente en 1924, con los Manifiestos Surrealistas de André Bretón. Aunque los propios surrealistas quieran negarlo, estaba muy emparentado con el dadaísmo: tienen en común esa ruptura con el pasado y se diferencian porque el surrealismo toma elementos de la filosofía y la psicología. Por esos puntos en común, es que algunas obras y algunos realizadores pueden encuadrarse en ambos movimientos.
Más tarde logró acceder a la imagen mediante la aceptación de la plástica. Fueron surgiendo diferentes técnicas en el campo de las artes visuales como los fotomontajes, el collage y el frottage (procedimiento por el cual se pasa un lápiz por el lienzo extendido sobre una superficie rugosa), que obtenía como resultado la aparición de imágenes yuxtapuestas, aparentemente sin sentido.
Germaine Dulac fue quìen inauguró el capítulo del surrealismo cinematográfico con La coquille et le clergyman (1926), basada en un guión de Antonin Artaud, incluyendo el tradicionaÏ escándalo de toda obra surrealista.
Esta experiencia vanguardista, junto con otras paralelas, que no hacían caso al argumento y al contenido narrativo, estaban inspiradas por una hipertrofia formalista, inventando y experimentando atrevidos recursos que luego se incorporarán, de forma lógica y madura, al lenguaje cinematográfico cotidiano: montaje acelerado, sobreimpresiones, desvanecidos, etc.
En 1928, el movimiento surrealista francés, al que ya se había incorporado la resaca inconformista de otras latitudes como el americano Man Ray autor de L'Etoile de mer se ve enriquecido por la personalidad del español Luis Buñuel, autor de Un chien andalou.
Su siguiente film, en el cual ya casi estaba liberado completamente de la influencia de Dalí, fue L'age d'or, en 1930, causa aún más conmoción que con su anterior película. Aquí, Buñuel ironlza sobre la Roma Imperial, el Vaticano, la clase burguesa, el arte y la música como esferas separadas de la vida cotidiana. Hay mucha violencia en las imágenes. Los actores hacen todo lo contrario a lo esperable en relación con las costumbres y los valores de la sociedad.
En el año 1929 Luis Buñuel, produce y dirige Un perro andaluz, (Un chien andalou), con un guión escríto por él junto a Salvador Dalí. Noël Burch señala que se trata del primer film en la historia del cine que logra incorporar la agresión como uno de sus componentes estructurales: una navaja de afeitar sostenida por un hombre (el mismo Buñuel), secciona el ojo de una mujer, en primer plano. Además, Un perro andaluz, es promotor de una verdadera revolución en los modos de mirar y celebrador de una ruptura absoluta con todo el lenguaje cinematográfico previo; pone en escena algunos de los tópicos del surrealismo: el “amour fou”, el deseo y la represión, la crítica a la moral burguesa, la lógica onírica, la asociación de imágenes inconexas, las relaciones insólitas, la resistencia a cualquier significación que fije su sentido poético.
Este es el período de cine de vanguardia, y dentro de él se puso el acento en el cine surrealista y se apunta al film Un perro andaluz, que según los propios surrealistas, es el único considerado representante de sus ideas (junto a La edad de oro, pero ya en la etapa sonora).
Aceptado por los surrealistas, Luis Buñuel estrenó la película de escasos 17 minutos de duración, en el cine Studio 28 de París en septiembre de 1929 causando un gran escándalo.

TACTILIDAD: Término usado en relación con una imagen cuyos colores y texturas la hacen parecer tan real que pensamos que podemos tocarla.

TROMPE L’OEIL: (francés: "engañar al ojo").  Forma de ilusionismo que intenta que la superficie pintada es un espacio real.

VEDUTA: (italiano: “vista”).  Imagen de un paisaje o ciudad, por lo general caracterizada por la exactitud topográfico, en contraste con el capriccio, que combina elementos reales y ficcionales.

VITRALES: Técnica que consiste en manchar piezas de vidrio de diferentes tamaños con óxidos de metal y unirlas con plomo.  Muy popular en la era gótica, el vitral también fue usado en el siglo XIX por artistas tales como William Morris y Louis Comfort Tiffany, y también en el siglo XX por Henry Matisse y Marc Chagall, entre otros.  Esta técnica se usa principalmente en la producción de ventanas y objetos decorativos.

VORTICISMO:  Movimiento inglés fundado por Wyndharn Lewis en 1914.  Su nombre deriva de la idea, presentada por el futurista italiano Urnberto Boccioni, de que el arte es producido por un vórtice emocional.  El principal objetivo era captar el movimiento en una imagen estática